ARTE POP (POP ART)

 

Pop’Art años 1960   Andy Warhol Richard  Hamilton Roy Lichtenstin  Ingleterra y Estados Unidos. Pintura, escultura y grabado. Arte Pop’ulario.  Utiliza formas como la publicidad, la cienca-ficción, la ilustración y el estilo automóvil.

Andy Warjol. Marilyn .1967                            Andy Warhol. Marilyn.1967

El  arte pop (arte  popular) es un movimiento artístico, surgido  1950  en  Estados Unidos , y mas luego se traslada a Europa. Nace como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista.  Se caracteriza  por el empleo de temáticas, iconografía y técnicas de la cultura de masas, la publicidad y la sociedad de consumo que  los aplican al arte.

 Roy  Lichtenstein                           Roy  Lichtenstein.

Este movimiento utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica “Arte Popular”, toma del pueblo los intereses y la temática; el uso  de técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos».

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los “hot-dogs”, botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

Campbells_Soup_Cans_MOMA

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

      cocacola

                             Andy Warhol,three coke bottles.

El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

 “Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo”.

 -Roy Lichtenstein-   

dICK TRACE    

CONTEXTO

Sin duda el nacimiento de este movimiento (década de los cincuentas) es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos.

johns usa


Lógicamente, producto de este periodo (Guerra Fría)  nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Comienzan a darse cuenta de la frialdad y de lo que es capaz el hombre. Vieron al hombre como una escoria; por lo tanto sólo podría producir basura. Puede decirse que 1945 supuso partir de cero o, por lo menos, de unos presupuestos radicalmente nuevos. La sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía, temas todos ellos presentes en la creación literaria y artística de la posguerra, tan sólo pueden entenderse a partir de esos presupuestos. El centro y fuente de inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados Unidos y la sociedad capitalista.

Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.

roy1

GENESIS

El arte pop reaccionó al fenómeno de la des-personalización de la sociedad con un estilo igualmente impersonal. Los medios habían cambiado la relación entre la subjetividad y el sentido individual de la masa, y el arte pop por lo tanto también deseaba redefinir el papel de la individualidad en arte.

Los conceptos del arte pop provienen uno de uno de los temas centrales del arte, l’art vierte el l’art, la obra de arte como objeto, la imagen, el acto de la pintura, la pintura sí mismo, materiales de la pintura, historia del arte, parodiar, abstracción, composición. Los artistas del estallido vieron su trabajo como contra-arte, por lo menos en lo referente a nociones tradicionales del arte. Los estilos del arte pop eran el producto del desarrollo de los artistas. Su subjetividad e individualidad estilísticas, fueron neutralizadas por el anonimato del ambiente a el cual su arte respondió. El arte pop siguió varios caminos, algunos de ellos que conducían en direcciones opuestas.

El tema definió la estructura y los métodos como medios de producción para las masas – usando técnicas mecánicas de reproducción, o métodos industriales de fabricación; o pinturas en las cuales la referencia a los media ocurre sobre todo con un análisis de su contenido.

El arte pop americano era un niño confiando en sí mismo afirmándose en los años ’50 contra influencia europea.

El tema que proporcionó el impulso inicial era el Americanismo en sí mismo. La idea del progreso, la industria, los medios y el culto a las estrellas experimentado un auge en Hollywood y, más especialmente, en Nueva York, el centro cultural de los USA durante los años ’40 y los años ’50. La generación que precedió arte pop trajo adelante una nueva tendencia en realismo usando el tema contemporáneo, que sirvió de impulso para el arte americano de los años 60.

El desarrollo del arte pop americano ocurrió en varias fases, marcando diversas respuestas de los artistas al desafío de sus épocas. El primera parte de pre-Pop, en la cual los pintores tomaron su licencia de Expresionismo Abstracto. Entonces vino el heyday del arte pop: esta fase consideró la aparición de un número de los artistas importantes que arraigaron su trabajo en los años ’50 y fundado en parte el arte comercial, diseño y el cartel-pintura.

Con el patrocinio rápidamente confiado y experimental de ciertas galerías de Nueva York, el arte pop alcanzo un acelerado éxito  a pesar de protesta claramente expresada  y el reconocimiento como nuevo movimiento del arte. Las exposiciones eran acompañadas por Happenings, funciones de teatro, acciones de la calle, etc.

Por la mitad de años 60 el arte pop era conocido en todo el mundo. El arte pop americano se separó de Nueva York hacia la costa, a Canadá del oeste, y más adelante a Europa y a Gran Bretaña, quienes también habían desarrollado su propio arte pop.

La última de las fases fue caracterizada por un realismo sarcástico, radical, en gran parte con origen americano, basado en las relaciones sociales urbanas. Fuera de Nueva York, los exponentes del arte pop americano estaban en California. El centro de estallido en el oeste era en la costa era Los Ángeles, una ciudad que cultivo no solamente una influencia del arte pop, sino que más adelante conquista el mundo con la forma de la cultura y de la forma de vida del hipismo.

 

INFLUENCIAS

Los orígenes del pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto. Sin embargo, el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dada y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana como lo había hecho Duchamp con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas también toma del Dada el uso del collage y del fotomontaje.

CARACTERISTICAS

  1. El pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.

  2. El pop Art no solo convirtió la trivialidad en un tema digno de  tratamiento estético y la monumentalizó con la técnica de la de la ampliación; sino que también reflejó la cultura de las masas de forma inteligente y crítica.

  3. Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).
     

  4. Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples “motivos” que justifican el hecho de la pintura.

  5.  Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva

  6. Preferencia por las referencias al “status” social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

  7. Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

  8. Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

 ARTISTAS Y SUS OBRAS

En sus orígenes el Arte Pop puede dividirse en dos grandes vertientes: la inglesa, a la cual el crítico Lawrence Alloway bautizó como tal en 1955 y cuyos principales exponentes son Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Allen Jones, Patrick Cauldfield y el estadounidense R.B. Kitay (así como Richard Smith y Peter Blake quienes incorporarían técnicas abstractas al movimiento), artistas que según el mencionado crítico no sentían el disgusto por la cultura comercial que sentía la mayoría de los intelectuales, sino que la aceptaban como un hecho, la discutían en detalle y la consumían con entusiasmo”; y la norteamericana que, aparece en los años sesenta mostrándose más extrema y radical en sus planteamientos, aunque en las obras de sus creadores Jasper Johns y Robert Rauschenberg las características pop se dan menos definidas y agresivas que en el trabajo de sus otros protagonistas: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Tom Wasselman, Claes Oldenburg, Jim Dine, Mel Ramos, Edward Kienholz, Ed Ruscha y Wayne Thiebaud

Eduardo Paolozzi

paolozzi

Hijo de inmigrantes italianos, Eduardo Luigi Paolozzi nació el 7 de marzo de 1924 en Leith al norte de Edimburgo (Escocia). Entre 1943 y 1947 estuvo formandose en varios colegios de arte de Escocia y Londres. Después de esto, se mudo a París a trabajar.

Fue fundador del Independent Group junto con Hailmton, Peter y Alison Smithson, Nigel Henderson y Lawrence Alloway y fue considerado uno de los fundadores del pop Art. Su collage de 1947 “I was a rich man’s plaything”), ha sólido ser etiquetada como la primera muestra real del Pop Art. A pesar de todo esto, Paolozzi siempre ha considerado su obra como surrealista aún siendo obvio el toque pop Art de esa época

Posteriormente se centraría más en la escultura, género que le daría mayor reconocimiento con sus estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o removidos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista, ha pasado a la historia como el iniciador del movimiento pop en Gran Bretaña. Al igual que Warhol utilizó imágenes comerciales y también imágenes eróticas.

Ya en el año 2001 Paolozzi sufrió un accidente que lo postró en silla de ruedas, muriendo en un hospital de Londres en abril de 2005.

SUS ABRAS MAS IMPORTANTES :

I was a Rich Man's Plaything  1947

Eduardo Paolozzi: I WAS A RICH MAN´S PLAYTHING, 1947.

En 1947, Eduardo Paolozzi expuso su obra I was a rich man’s plaything, considerada por buena parte de la crítica como la obra pionera del Pop Art británico, a su vez precedente del Pop Art norteamericano de los años 60. De esta forma, este trabajo podría considerar como una obra fundacional de uno de los movimientos más prestigiosos del arte contemporáneo.

Sin embargo, Paolozzi no aceptó plenamente este calificativo. Para él I was a rich man’s plaything era una obra más próxima al Surrealismo que al propio Pop Art. En cualquier caso, la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación de masas, el desenfado, el empleo de la yuxtaposición como recurso compositivo y la referencia a la técnica serigráfica, son evidentes motivos para mantener la relación entre esta obra y el Pop Art.

El texto POP! que parece salir de la pistola situada en la parte superior sería, de hecho, el que daría nombre al movimiento.  Pese a lo que su nombre pudiera hacer pensar, Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005), no era italiano (aunque sí que lo eran sus padres) sino escocés y, de hecho, es una de las figuras claves de la pintura y de la escultura británicas del siglo XX, como lo prueba el haber sido el fundador del Indepent Group, el más activo los grupos artísticos de mediados del siglo pasado en Inglaterra.

Tom Wesselmann, Cynthia Nude, 1981.Eduardo Paolozzi: SCREENPRINT ON PAPER FROM BUNK, 1948.

 paolozzi arq“ARCHITECTONIC COMPOSITION IN GREEN”  (COMPOSICIÓN ARQUITECTÓNICA EN VERDE). LITOGRAFÍA ORIGINAL DEL ARTISTA BRITÁNICO PARA UNA EXPOSICIÓN SOBRE SU OBRA EN 1982.

 

 

Fisherman and Wife  1946

Fisherman and Wife  1946
Drawing, watercolour and mixed media on paper
support: 768 x 610 mm
on paper, unique
Purchased 1959

sdfg

It’s a Psychological Fact Pleasure Helps your Disposition  1948
Collage mounted on card
support: 362 x 244 mm
on paper, unique
Presented by the artist 1971

Estos collages están realizados a partir de revistas de América Paolozzi por ex militares. Ellos muestran su fascinación por la cultura popular y la tecnología, así como con el glamour de América consumismo. El título de la serie hace referencia a Henry Ford’ la famosa declaración de que”La historia es más o menos literal …. Queremos vivir en el presente”. Paolozzi’ que refleja la creencia de que su trabajo debe responder a la cultura contemporánea.

Sack-o-sauce  1948Sack-o-sauce  1948
Collage mounted on card
support: 356 x 264 mm
on paper, unique
Presented by the artist 1971

The Bunuel Series (1 of 3) - Eduardo Paolozzi - b.1924

Serie, Luis Bunuel.(1 de 3)Eduardo paolozzi.1924

la 2

Serie, Luis Bunuel.(2 de 3)Eduardo paolozzi.1924

The Bunuel Series (3 of 3) - Eduardo Paolozzi - b.1924Serie, Luis Bunuel.(3 de 3)Eduardo paolozzi.1924

Paris Bird  1948-9Paris Bird  1948-9
Bronze
displayed: 1730 x 3210 x 20 mm
sculpture
Purchased 1996

Paolozzi’ la fascinación con la chatarra y otros materiales desechados es evidente en esta primera escultura. Aparte de la base, todas las secciones fueron emitidas a partir de objetos que encuentran situadas en torno a su estudio en París, donde vivía. Estos incluyen lo que parecen ser partes de máquinas y pedazos de madera, junto a sugerir un metálico pájaro en vuelo.

T06955_9Standing Figure  1958
Bronze
object: 343 x 150 x 135 mm
sculpture
Purchased 1995

Por un tiempo en finales del decenio de 1950 Paolozzi vivía en la casa de Hampstead, un amigo, quien fue uno de los funcionarios a cargo del Instituto de Arte Contemporáneo. Él decidió que quería probar su propia pequeña fundición de bronce, en lugar de tener que depender de las formalidades de una fundición de bronce. Paolozzi creó una pequeña fundición en el jardín trasero de la casa de Hampstead y emitir un puñado de pequeñas figuras, de los cuales se trata de un ejemplo significativo. El pequeño se inspira en figuras de cera y de fundición en bronce, directamente a través del método de fundición a la cera perdida. La superficie de esta cifra le da la apariencia de un descubrimiento arqueológico.

 

Richard Hamilton

Nació  24 de febrero de 1922 en Londres. Mal estudiante en el colegio, lo deja para comenzar a trabajar en una agencia publicitaria y formándose por las noches en escuelas de arte. Finalmente ingresa en la Royal Academy or Art.

En un principio su obra se preocupa por el movimiento o la perspectiva, influida por Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía. Pero en 1952 empieza a impartir clases de tipografía y diseño industrial empezando a cambiar sus inquietudes y funda el Independent Group con Eduardo Paolozzi, Peter y Alison Smithson, Nigel Henderson y Lawrence Alloway.

En 1956, en una exposición Para la Whitechapel Art Gallery, Hamilton presentó en nombre del Independent Group su collage “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?” en el cual aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chup con la inscripción ‘pop’ en él, sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis, manifiesto del arte pop británico, dicho collage revela tres cosas: en primer lugar, una mezcla de fascinación e ironía con respecto a  los símbolos de opulencia americanos; en segundo lugar, la importancia del collage como técnica típicamente pop, procedente de la practica cubista, dadaísta y surrealista, y en tercer lugar; la inteligencia y sofisticación de una composición llena de alusiones y ambigüedades. Esto se encontraba en franco contraste con la banalidad del tema.

Hamilton que es lo qe hacen qe ...

“Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?”1956. collaga sobre papel, 26x25cm"

¡y que es lo que hace que los hogares de hoy en dia sean tan diferentes, tan atractivos?

Así Hamilton empezó a utilizar en sus obras elementos de la cultura popular y el consumo de masas, convirtiéndose en el pionero del Pop Art británico.

my marilynMy Marilyn  1965
Screenprint on paper
image: 518 x 632 mm
on paper, print

Richard Hamilton - $he$he 1958-61    

Oil, cellulose paint and collage on wood
support: 1219 x 813 mm frame: 1330 x 944 x 98 mm
painting
Purchased 1970

Esta pintura explora la relación entre mujeres y máquinas, con imágenes extraídas de la publicidad y el pin-up de las revistas de la época. Hamilton dijo “Esta relación de la mujer y aparatos es un tema fundamental de nuestra cultura, como obsesivo y la occidental como arquetipo de la película pistola duelo».
Los antecedentes de la pintura es una nevera. La mujer, en parte derivados de una imagen en la revista Esquire, es un compuesto, sugerida por un ojo, senos, hombros y plataforma nacional. En el primer plano es un híbrido tostador / vacío limpio. Como te mueves, guiña el ojo.

interiorInterior  1964-5
Screenprint on paper
image: 495 x 638 mm
on paper, print
Allen Jones. 1975

Hamilton afirmó que cualquier interior es “un conjunto de anacronismos, un museo, con la persistencia de residuos de los estilos de decoración que recoge un espacio habitado”. En esta impresión, que contrasta un elaboradamente decorado interior con uncluttered colores planos que recuerdan la arquitectura modernista y el diseño. El choque de estilos se refleja también en su combinación de pintura con la impresión de serigrafía, una técnica relacionada con el arte comercial que permite la transferencia directa de imágenes fotográficas sobre lienzo.

interior IIInterior II  1964
Oil, cellulose paint and collage on board
support: 1219 x 1626 mm frame: 1425 x 1830 x 100 mm
painting Purchased 1967

hamilton6Swingeing London 67 (f)  1968-9
Acrylic, collage and aluminium on canvas
support: 673 x 851 mm
painting
Purchased 1969

a little

A little bit of Roy Lichtenstein for …  1964
Screenprint on paper
image: 511 x 692 mm
on paper, print
 1975

P04252_8

 The Solomon R. Guggenheim  1965
Screenprint on paper
image: 559 x 559 mm
on paper, print
 1975

Hamilton está fascinado por el artificio y la ilusión inherente en la construcción de imágenes. A mediados de los años 1960, hizo una serie de obras sobre la base de Frank Lloyd Wright el diseño llamativo espiral para el Museo Guggenheim en Nueva York. Hamilton estaba interesado en los problemas de perspectiva y de la paradoja que representa una forma tridimensional sobre una superficie plana. Aquí, una falsa perspectiva de la ampliación de la hélice da una impresión de pesadez de arriba. El edificio parece estacada fuera de la foto, como un alivio.Artistas Estadounidenses

Allen Jones

Jones-hombre-mujer

hombre-mujer-Jones

696

Allen Jones: Perfect Match, 1966-1967

Otro de los artistas significativos es Allen Jones (1937), en cuya obra se pueden rastrear vestigios de su interés por el Surrealismo. La temática de sus pinturas a menudo tiene que ver con el erotismo. Por lo general, pinta fragmentos de seres humanos femeninos y masculinos, entremezclándo­los hasta el punto de que resulta casi imposible llegar a diferenciados.

Es característico de su obra el empleo de una gama cromática muy rica y exaltada, en la que distintas tonalidades de rojo suelen contrastar con ver­des, amarillos o azules. En determinadas pinturas sólo llegan a distinguir­se con claridad ciertas formas figurativas, mientras que el resto responde a un planteamiento que conecta con soluciones abstractas. Éste es quizás uno de los factores que caracterizan la independencia del Pop-Art británi­co respecto al americano, mucho más ligado a una figuración realista.
Desnudame .245x121cm. 1970
La trayectoria de Jones sufrió un cambio bastante profundo tras su estancia en EE.UU., durante 1965 y 1967, cuando se instaló en Nueva York.
Sus temas se hicieron mucho más explícitos y el erotismo que emana de sus figuras femeninas resulta extraordinariamente patente. A fines de los años sesenta llegó incluso a realizar muebles Girl- Table en los que una figura fe­menina tridimensional, casi desvestida y ejecutada en fibra de vidrio, servía de pie a una mesa de cristal. A esta línea responden también carácter fetichista realizadas ya a comienzos de la década siguiente.
abughraibtable

  Abu Ghraib coffee table

Peter Blake

Diseñador de la portada del mítico disco de los Beatles, 1932. es una peculiar dentro del pop lejos de asumir la estética del consumo, su obra esta ligada a un sentimiento de nostalgia por las viejas cosas populares, lo que para el significa todas las imágenes del pasado y fundamentalmente  de –su- pasado. En su obra conviven las imágenes de los escaparates de juguetes con los pins, tebeos y pósters de los ídolos de la música pop o del cine. Sus composiciones, aparentemente naifs, revelan una actitud muy  poco  ingenua y en ellas se reúne elementos cuidadosamente seleccionados por su significación. En el cuadro titulado: On the Balcony (1955 1957 tate gallery, Londres), junto a un verdadero montón de símbolos alusivos a la época, Blake centra 27 variantes del tema del balcón, entre ellas el cuadro de Manet del mismo nombre y las fotografías de la familia real inglesa saludando desde el balcón de Buckingham place.

en el balcon--blake

 En el Balcón,121x90cm-1955-57.

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Cover of Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band by Peter Blake, 1967

 

ARTISTAS NORTEAMERICANOS

  • Andy Warhol

warhol53

 

Nació el 6 de agosto de 1968 como Andrew Warhola en Pittsburgh, Pennsylvania. Sus padres eran emigrantes eslovacos que cambiaron sus nombres originales (Andrej Varchola y Ulja Justina Zavacka) por Andrew y Julia Warhola al llegar a Estados Unidos.

Andy fue un niño de débil salud, padecía escarlatina y baile de San Vito, lo cual le llevo a tener que estar largas temporadas postrado en la cama, pintando, escuchando la radio y coleccionando fotografías de actores y actrices famosos. Este periodo comenzó a marcar su personalidad artística.

Ya de joven estudió Arte Comercial en el Carnegie Institute of Technology y se comenzó a labrar una exitosa carrera en New York como ilustrador en prestigiosas revistas como Vogue.Durante los años 60 empezó a centrarse ya en su vocación como pintor y desarrolló su peculiar estilo basado en productos de consumo habituales y personajes famosos. Fundó “The Factory”, reuniendo a todo tipo de artistas del underground newyorkino. Creó sus famosas serigrafías en serie, declarando que deseaba actuar como una máquina, producir arte en serie. También indagó en el mundo de la música con la Velvet Underground de Lou reed, convirtiendose en manager y productor, e incluso empezó a investigar en el terreno audiovisual y cine de vanguardia.

Falleció el 22 de febrero de 1987, dejando una imagen de personaje polémico. Tuvo 15 hijos y 9 esposas, a pesar de no haber ocultado nunca su homosexualidad, como se puede leer en “los diarios de Warhol”. Fue la figura más destacada del movimiento pop y sin duda está considerado como uno de los artistas influyentes del siglo XX.  

El personaje más mediático y conocido de los artistas pop comenzó realizando trabajos publicitarios, aunque pronto con sus series  sobre imágenes de objetos de consumo -Coca-Cola, sopas Campbell- , imágenes de iconos del cine o la vida social -Marilyn Monroe, Elvis Presley o Jaqueline Kennedy-; así como imágenes que describían tumultos raciales o accidentes, le hicieron destacar en esta corriente artística. Después vino la trascendencia mediática que le catapultó hasta llegar a ser un icono más, tan famoso desde el punto de vista sociológico como artístico.(Campbell's Soup I (Tomato), 1968)Lata de sopa Campbell. 1968

Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.

Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.

6

three coke bottles.1973 – tres botellas de cocacola

Coca Cola. Su gran originalidad y colorido es lo que me hizo comentar al principio de esta columna mi intriga de definir si el arte pop fue un movimiento o sigue siendo un movimiento, pues en mi opinión creo que sigue con vida, que existe y lo seguimos viendo y viviendo. La música pop, la representación del diseño de modas en las pasarelas y el diseño gráfico son el mejor ejemplo de la influencia del Arte Pop en la actualidad.

Dándole la bienvenida a esta columna haremos todo lo posible de mantenerlos informados del acontecer artístico de nuestro país, queremos ser un medio informativo para eventos, conciertos, exposiciones de artistas reconocidos pero sobre todo de artistas en surgimiento, y así colaboramos con la búsqueda deese nuevo movimientos artístico.triple elvisELVIS. ANDY WARHOL

Andy-Warhol-Elvis--1963--triple-Elvis--133884Elvis, 1963 (triple Elvis)

warhol lips 1969Andy Warhol: LIPS, 1969

warhol velvet

Andy Warhol: THE VELVET UNDERGROUND & NIKO, 1967.

marilyn_warhol Andy Warhol 1967

MARILYN.

La imagen inconfundible de Marilyn – pantalla-impresos en un sinnúmero de variaciones de un producto de consumo, es un símbolo perfecto de los estilos pop-art.

andy warjol marilyn

 MARELYN MONROE.   ANDY WARHOL

Shopping Bag, 1989

 SHOPPING BAG.  1989

Querelle en gris(Querelle Grey)

QUERELLE EN GRIS. 1989

warhol24 Mao, 1972

MAO 24. 1972

warhol14 Diamond Dust Shoes, 1980

DIAMOND DUST SHOES.1980

warhol15 The Art of Mickey Mouse

Art Of Mickey Mouse.Warhol.

warhol16 Birth of Venus-Red

Birth of venus-red.Warhol 1976.

warhol18 (Guns, ca. 1981-82

Guns.CA.1981-82.

warhol19 Jackie, 1964

jackie. 1964 Warhol.

warhol23 Brooklyn Bridge, 1983

Brooklyn bridge, 1983

warhol34 The Laster Supper, 1986

The Laster Supper, 1986

warhol autoretrato 1966

Autorretrato, 1966.

warhol-marilyn

series. Marelyn-Warhol

Roy Lichtenstein

Nació en Nueva York el 27 de octubre de 1927. En 1949 se doctoró en Bellas Artes por la Universidad de Ohio. Sus primeros pasos en la pintura se centraron en el expresionismo abstracto, pero en los sesenta se orientó hacia las imágenes comerciales de consumo masivo, premisa principal del Pop Art o Arte Popular.

La principal característica de la obra de Lichtenstein es su fijación por el cómic. Sus historietas de cómic son ampliaciones reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores brillantes y primarios utilizados habitualmente para imprimirlos.

También desarrolló trabajos en escultura y cerámica, manteniendo siempre su fijación por la estética de los cómics.

Roy nos dejó el 29 de septiembre de 1997, pero su obra, muy característica y fácilmente reconocible, ha dejado una gran estela de seguidores y ha influenciado a muchos ilustrados y diseñadores. 

Llegó a ser considerada la figura más destacada del Pop Art norteamericano. Centró su trabajo en la utilización de viñetas de comics copiadas con un epidíascopo, de las que a continuación estarcía los puntos para aplicar los colores planos.

obras

lichtenstein in the car 1963

In the car, 1963

Roy-Lichtenstein-Kiss-V-133905

Kiss.1963

Roy_Lichtenstein_Whaam 1963Whaam. 1963

roy

Su interés por los medios de comunicación, las artes gráficas, la publicidad y el cómic; sus procedimientos de cita, apropiación y libre interpretación de las imágenes, tanto las del medio cultural norteamericano como las del canon de los maestros del pasado, se manifiestan en un estilo claro, característico e inconfundible, pero provisto de una ironía sutil y una cuidada sofisticación.

Roy Lichtenstein,El proceso de trabajo de Lichtenstein partía frecuentemente de imágenes corrientes, recortes de cómic, anuncios publicitarios, fotografías, ilustraciones, que le servían de fuente de inspiración y que plasmaba en pequeños esbozos, en series de apuntes de figuras, en dibujos de ejecución rápida y estilo suelto en los que se definían ya el tema, el concepto y la composición, elementos que posteriormente trasladaba a sus collages de mayor tamaño, más definidos y precisos.

3918

Collage para chica seductora. Colección patricular. Estate of Roy Lichtenstein.

roy_lichtenstein_3 im sorry

Roy Lichtenstein,  Lo… lo siento (I… Im Sorry). 1965-66

lichtenstein1 tin

“Tintín leyendo”, Roy Lichtenstein, 1993.

3090473 

La obra Mujer, luz de luna ,  Lichtenstein.1932

 

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Roy Lichtenstein: Explosión n.º1, 1965

James Rosenquist

Es otro ejemplo de artista americano cuyas raíces estaban en el expresionismo abstracto. Aunque para el una experiencia muy diferente y más mundana resulto crucial: ganarse la vida como pintor de carteleras de cine, suspendido por las calles de Nueva York en un andamio desvencijado, con la extensa superficie a pintar ante sus narices, Rosenquist la cubría mecánicamente  de colores estridentes, la representación realista, vista muy de cerca, se transformaba en un patrón abstracto. Éste fue el descubrimiento que Rosenquist exploto de su propia pictórica. La irritación visual resultante, que se observa en los cuadros de gran formato posteriores era intencionada.  

Presentaba fragmentos de realidad de gran tamaño, a menudo mayor que el natural, claramente definidos. sin embargo, en lugar de ser aislados y mutuamente independientes como en Rauschenberg, cada fragmento siempre estaba conectados con los que le rodeaban.  

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Painting “President Elect” (1960-61) by James Rosenquist. 228 x 366 cm. Collection du Musée d’art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris

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Time Door Time D’Or”“Time Door Time D’Or”, Colored, Pressed Paper Pulp, 97 1/2 x 120 inches
1988 – 1989

 

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“Te amo con mi Ford”, 1961. Una de las célebres pinturas de James Rosenquist

45

“Look Alive” 1961,oleo sobre tela,170´2×148´6cm

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“Anteojeras(detalle),1968-1969. Oleo y pintura fluorescente sobre tela y aluminio,23 partes. 275×2.530.

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Covenyor Belt,1933

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“WHITE BREAD”.1964

 Tom Wasselman

Al igual que Warhol y Lichtenstein fundamentó su trabajo en el desarrollo de obras artísticas a partir de cómics, si bien amplió su obra con el collage y la pintura, centrando en el desnudo y la naturaleza muerta su arte, rodeado de colores planos, vivos y sugerentes. En 1931, alcanzó la fama gracias a las muchas variaciones  que realizó sobre el tema del gran desnudo americano, una elaboración del estereotipo erótico publicitario. En ellas, Wesselman hace uso del encuadre fotográfico que fragmenta arbitrariamente los cuerpos y pone en primer plano lo que quiere resaltar enfáticamente; estos hábitos compositivos los extraen de la funcionalidad de los medios publicitarios y los convierte en rasgo estilísticos propios. Con el mismo tema del desnudo femenino ha realizado ensamblajes, en los que sitúa en un escenario real a las mujeres de cuerpos rosados pintados de forma absolutamente plana.     

OBRAS

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BAÑERA #3,1963 Oleo sobre tela,,cosas de baños

(puerta de baño, toalla, cesto para ropa),213x270x45cm.

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 Tom Wesselmann: CYNTHIA NUDE, 1981

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Tom Wesselmann: LANDSCAPE, 1985.

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Tom Wesselmann: STILL LIVE 30, 1963

 

EL ARTE POP ESPAÑOL

Entender el arte Pop es entender la época de quienes lo crearon y lo adoptaron, pero también es comprender nuestro propio presente. Hoy lo encontramos en la moda, en el cine, en el interiorismo, en el diseño gráfico y sobre todo en la publicidad, podríamos decir que en cierto modo esta estética se ha revertido, pues paradójicamente nació como una sátira de estos mismos medios de expresión. 
Los creadores del Pop, Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña, y Lichstentein, Rauschemberg o Warhol desde Norteamérica, concibieron esta expresión artística influenciada por la incipiente cultura de masas, a la que parodiaban utilizando su propio lenguaje: moderno, directo y colorista. Aunque el gran público hayamos heredado lo más superficial de esta tendencia, con la que decoramos nuestros salones y camisetas, en los años sesenta y setenta, artistas como los que muestra esta exposición convirtieron el arte Pop en la crítica política y social más dura y cáustica de la España del tardo-franquismo. Así, a diferencia de la ingenuidad del Pop anglosajón, los jóvenes realistas europeos se valieron de esta estética para desarrollar su discurso ideológico y reinterpretar su propia sociedad. En el caso español, la crítica al franquismo y a la figura del dictador se convirtieron en el “leit motiv” esencial de su obra. Asimismo, se pueden considerar temáticas inherentes al arte Pop español: los desastres de la guerra civil, como preludio de la sociedad que les había tocado vivir, los brazos de actuación del franquismo, la represión, el desarrollismo económico y la nueva sociedad de masas. Aunque no sólo se hicieron eco de la realidad española, también denunciaron el intervencionismo militarista de las potencias económicas del momento.
 
 
 
 
 

 

 Por ello, es fundamental para aquellos que no vivimos una época diferente a la democracia y a la actual sociedad de consumo que comprendamos su origen a través del arte, e identifiquemos esta estética mucho más allá de las latas de sopa Campbell o la publicidad del Ketchup Heinz con la que Warhol inspiró la imagen del disco de The Who, The Who Sell Out, icono de la música Pop norteamericana. También es necesario desterrar de la mentalidad colectiva la única imagen que para muchos existe de la estética Pop en España, vinculada con las películas del “destape” y la moda “yé-yé”, pues detrás de los inicios del desarrollismo existía mucho más: la mirada sarcástica de unos artistas comprometidos políticamente. 
  El arte Pop español es una muestra de un pasado muy cercano, del paso hacia la sociedad de masas que somos hoy y sobre todo una irónica crítica de la oscura España que dejamos atrás, no hace tantos años. Es una expresión artística que preludiaba el fin de una época muchas veces desde el exilio “voluntario”, como fue el caso de Eduardo Arroyo. Así, en las obras, que de forma representativa recoge esta exposición, se advierte la intención metafórica de sus autores que, a través la unión de los distintos reflejos de la sociedad de las últimas décadas del franquismo, conformaron un claro mensaje de denuncia social. Tal y como indicaba el Equipo Realidad: “lo que nos interesa no es la realidad, sino su imagen”, pues como ocurre en la aún vigente cultura de la frivolidad ambos términos no siempre se corresponden.
 
TRES ESPACIOS, TRES ESTILOS Y UN ESPECTADOR
 
 
 

 

 La exposición ha sido dividido en tres espacios, uno para cada autor, de manera que se pueden apreciar sus diferentes modos de expresión y la temática de la que se sirvieron para realizar sus obras. Si bien, en el centro de la sala destaca la presencia de un asistente muy especial, El Espectador de Espectadores (1972) del Equipo Crónica. Una figura oscura y gris que a los concurrentes nos recuerda la vigilancia a la que se veían sometidos los opositores al Régimen y asimismo nos transporta al sentimiento de los propios autores.

Eduardo Arroyo (1937) no sólo destaca por su faceta como pintor que muestra en esta exposición, pues en su polifacética carrera siempre ha utilizado multitud de medios expresivos. Tras finalizar sus estudios periodísticos en Madrid, a fines de los años sesenta viajó a París como única salida para desarrollar su pensamiento. Allí comenzó su idilio con la pintura, entonces muy cercana al expresionismo y que en los años sesenta derivaría hacia la estética Pop. Al margen del estilo que emplease, su obra nunca estuvo exenta de polémica a causa de su

crítica mordaz contra el franquismo, tal y como recogen las obras de esta exposición. 

 

En los otros cuadros recogidos en la exposición se advierte, a diferencia de la crítica más generalista de los otros artistas Pop que participan en esta muestra, que Eduardo Arroyo personaliza el dolor común, el rencor contra el Franquismo, ilustrándolo mediante episodios concretos del Régimen como: Notas sobre Guernica (1964), Muerte del poeta Miguel Hernández (1966), El regreso de Companys a Barcelona (1970) y sobre todo Sama de Langreo (Asturias) septiembre 1963. La mujer del minero Pérez-Martínez, Constantina, alias Tina, rapada por la policía (1963). El relato visual de las obras de Eduardo Arroyo tiene mucho que ver con su formación periodística, y así define el propio autor intenciones de su obra: “el pintor vive dentro de la sociedad, y se encuentra enfrentado a la sociedad . El artista se niega a ser un animal que pinta”(1962).
 
 
 
 
 

 

EL CABALLERO ESPAÑOL,1970 162X130cm.

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Eduardo Arroyo: “Velázquez, mi padre” (1964). Lausana (Suiza).


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En esta muestra se incluyen dos lienzos de su serie Los cuatro dictadores: Hitler, Franco, Mussolini y Salazar (1963) que escandalizó al público de su primera exposición en la III Bienal de París, principalmente porque había sido organizada por una entidad pública. Las representaciones de Franco y Mussolini expresan mediante una metáfora la disección de los pensamientos políticos, los sentimientos y los miedos de ambos dictadores a través de la visión de sus mentes y órganos vitales. En otra de las obras Francisco Franco. Centinela de Occidente (1970), Arroyo ridiculiza la imagen del caudillo, tal y como había hecho en otras ocasiones, presentándolo en un desierto que recuerda a sus campañas africanas. Muestra a Franco solo, simbolizando la anacronía de su dictadura, la última en la reciente Europa de las democracias. 

 

 

 

EquipoCrónica

Tras la formación de “Estampa Popular de Valencia” en 1964, Manolo Valdés y Rafael Solbes, junto a Juan Antonio Toledo que se desligaría del grupo posteriormente, firmaron el Manifiesto Programático un año después, en él se expuso la filosofía del “Equipo Crónica”.

La finalidad del Equipo era mostrar “el realismo” a través de imágenes propias del momento que vivían, además no negaban la influencia de los máximos exponentes nacionales e internacionales del arte Pop, haciéndose eco de su estilo en sus obras. En la exposición se recogen ejemplos de cada uno de los periodos artísticos del Equipo Crónica, en los que a pesar de los cambios estilísticos siempre prevaleció la crítica social y el antifranquismo. Así una de sus series más divulgadas es La Recuperación, su primera monografía, realizada entre 1967 y 1970, de la que esta exposición muestra dos de sus obras más emblemáticas: La antesala (1968) y El ejecutivo

En estas obras, el Equipo Crónica rescata a personajes clásicos del arte del siglo de oro español, descontextualizándolos en decorados propios del desarrollismo de las postrimerías del franquismo, mostrando que aunque desde el Régimen se impulsaran los avances tecnológicos, su pensamiento no lo hacía en paralelo. La visita (1969) y El intruso (1969) forman parte de la segunda de sus series, Guernica, en ella se rescata el simbolismo del período anterior, y se continua anexionando la alta cultura y la cultura popular a través del lenguaje del comic, así en la última de las obras se introduce uno de los mayores representantes del franquismo de los años cincuenta: el Guerrero del Antifaz. A través de Policía y cultura el Equipo Crónica manifestaba su aversión por el autoritarismo que, mediante las fuerzas de orden público, se imponía no sólo en España, sino en el extranjero, como en los casos de Vietnam o Mayo del 68. Un período que se aprecia claramente en Escuela de París (1971) y Soldados de Bretón (1971).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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