HIPERREALISMO

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años 1960-70 

                                 

 Malcolm Morley, Robert Bechtle, Chuck Close, John De Andrea, Richard Estes, Malcolm Morley  

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Foto realismo que es menos radical. El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura.

En este movimiento se aspira a la representación neutral de un hecho visual sin implicación emotiva personal. En general, los artistas hiperrealistas trabajan sobre temas absolutamente banales, escrupulosamente reproducidos, que proceden de imágenes previas, propias o ajenas, con las que nos invitan a reflexionar sobre la percepción de la realidad, como los tipos americanos de Douane Hanson.

CONTEXTO

El hiperrealismo se dio en 1966, al momento en que el Museo Guggenheim de Nueva York presentó la exposición “The photographic images”, en la que las obras de pintores y escultores obsesionados por la reproducción casi literal de la realidad tuvo lugar. Se les llamó hiperrealistas, pero también superrealistas, foto-realistas, nuevo-realistas o precisionistas. La fotografía era parte importante de este movimiento aún cuando ellos no usaban la cámara fotográfica. Propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica. Aparece como sucesor del Pop y de ahí viene su interés por los aspectos triviales de la sociedad de consumo y por las imágenes populares de la cultura underground. Su exagerado realismo debió ser una reacción ante la ausencia de objeto promovido por el Arte Conceptual que apareció en esos mismos años. La fotografía se proyecta sobre el lienzo mediante cualquier técnica. Los pigmentos siguen siendo los de movimientos anteriores, por ejemplo: el negro carbonilla, el carboncillo, la tiza roja natural, el óxido de hierro, el viridiano, blanco de zinc, naranja y amarillo de cadmio, azul cerúleo, azul verde y violeta de cobalto, amarillo indio, tierra verde, carmín, tiza, negro carbonilla, ultramarino, oropimente, y el marrón, rojo y amarillo ocres; la única diferencia es que se descontinuó el verde esmeralda a partir de este movimiento. Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia. Aquí se muestra un acrílico de Check Close, llamado “Linda”, que data del año 1975-76, el cual es una reproducción fotográfica. A partir de fotos de fotomatón, Chuck se propuso simplemente “traducir información fotográfica a información pictórica”, ampliando la escala.

El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales . En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.

Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

Richard Estes, conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del fotorrealismo.

Don Eddy pinta coches y David Parrish motos. El francés Jean Olivier Hucleux pinta cementerios de personas y cementerios de coches, en un realismo que es una repetición de la realidad. Ed Ruscha, a caballo entre el arte pop y el fotorrealismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y hace libros de fotografías.

Otras características del fotorrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.

Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Robert Cottingham, John Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean y Malcolm Morley, John de Andrea.

Algunos artistas que, sin ser específicamente fotorrealistas, han utilizado la fotografía como medio de expresar la realidad son el francés Christian Boltanski, quien utiliza fotos de álbumes familiares de otras personas que según sus propias palabras, serían, tras haber fallecido, la prueba de su existencia; el alemán Gerhard Richter, que emplea fotografías desde 1962 de forma continuada, aunque su trabajo ha explorado prácticamente todos los posibles terrenos de la pintura y no es por tanto un fotorrealista puro como los anteriores. El americano Richard Artschwager lleva fotografías de interiores a una superficie de celotex con un granulado fino al que aplica un ligera mano de pintura blanca y negra.

Con respecto a la escultura hiperrealista americana hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John de Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales, al igual que Nancy Graves hace con sus esculturas de camellos.

GÉNESIS

A finales de los años sesenta en Estados Unidos aparece de manera escandalosa, como una estrella de Hollywood, arropado por todos los medios del sistema (marchantes, galerías…) el hiperrealismo, para desaparecer del mismo modo y con la misma velocidad, tras consagrarse en 1970 en el museo Withney con la exposición Veintidós realistas (aunque en los últimos años parece que ataca de nuevo). Enlazando con esa tradición realista, que nunca se había perdido del todo –Hopper es un buen ejemplo-, toman como punto de partida la fotografía pero no abandonan los pinceles. Su labor consiste en llevar a cuadros de gran formato fotografías de cosas banales, de la vida cotidiana en las ciudades -escaparates, calles, casas, coches y gente moderna, que hoy nos resulta terriblemente pasada de moda. Estas fotos en color a gran escala, de aspecto pulido y brillante, producen una imagen fría, neutra y superficial. La banalización del pop se ha llevado a sus últimas consecuencias.Richard Estes (1936) pinta escaparates brillantes y llenos de reflejos, sometidos a una geometría estricta y precisa, en un trompe l’oeil moderno; los coches son el tema de Don Edy (1944) y John Salt, para el primero nuevos y relucientes, dispuestos para empezar el rodaje de la película, mientras al segundo sólo le interesan las carrocerías como ruinas.David Parrish (1939) prefiere las motos -los nuevos caballos del cowboy americano-, otro símbolo todavía de toda una generación y Richard MacLean vuelve a los ranchos que ya son de luna park. Chuck Close (1940) pasa fotos de fotomatón, hechas para carnet de identidad, a un formato monumental -dos y tres metros-, cambiando por completo el sentido del retrato, que pierde su poder de identificación y de individualización para convertirse en un paisaje en blanco y negro.Pero la búsqueda del hiperrealismo -de ir más allá del realismo- lleva a la búsqueda del doble y el doble es más perfecto en tres dimensiones. La escultura hiperrealista recurre a un método viejo y recientemente utilizado por Segal: moldes del cuerpo del modelo en fibra de vidrio y resina de poliester, a los que estos añaden pelo y ropas de verdad, como santos de vestir, cumple este deseo de hiperrealidad. John de Andrea (1941) hace desnudos perfectos desde el punto de vista de la reproducción, sin evitar un accidente físico, por poco agradable que sea. Menos complaciente aunque más hiperrealista, si cabe, es Duane Hanson (1925). Hanson no desnuda a las personas -después de todo el desnudo es un modo tradicional de representación en nuestra cultura-, desnuda la sociedad americana y sus Mujeres en el supermercado (gordas, con rulos, zapatillas, el bolsito y el carro de la compra) son una burla cruel de la mujer americana -occidental-, una crítica al sueño americano y un atentado al buen gusto. Su galería de horrores contemporáneos no perdona a nadie: soldados de Vietnam, homeless de Nueva York o turistas con zapatillas de deporte, sombrero, pantalón corto y guía dispuestos a huir de la vida cotidiana. Todos entramos en alguna categoría de Hanson, como entrábamos en los Rehenes de Dubuffet o los hilillos de Giacometti.

INFLUENCIAS

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
Son importantes representantes de esta tendencia D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo., entre otros.
 

 

 

 

 

 

Debemos recordar a los impresionistas que se inspiraron en lo estático daguerrotipos en blanco y negro de la época, un ejemplo es el pintor Edgar Degas; y que lo tradujeron a algo completamente diferente. la influencia de la fotografía ampliada técnica y temáticamente en Duchamp y el Dadaísmo.

CARACTERISTICAS

Se emplea la cámara fotográfica como elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar sobre todo  en la reproducción de retratos ya que  el tiempo de exposición seria muy prolongado. Es necesario una habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.

ARTISTAS IMPORTANTES

Son importantes representantes de esta tendencia  D. Eddy, R. Estes, R. Going, R. cottingham, C. Close, Alex Codville, Howard Kanovitz, entre otros.

ARTISTAS IMPORTANTES:

Don Eddy, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellas brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano. Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia.OBRAS:

LUCIAN FREUD

Lucian Freud: Retrato nocturno, 1976-1977

FREUD

Stanley Spencer: Desnudo sentado, 1942

NEOREALISMO

Richard Estes: Downtown, 1978

neo_ivREALISMO

Richard Estes: Victory Theater, 1968

neo_vTEDDY

Don Eddy: Aparcamiento privado III, 1971

neo_viRALPH GOINGS

Ralph Goings: Camioneta de lampistería-calefacción, 1969

neo_vii ROBERTCOTTINGAHAM

Robert Cottingham: Carl’s, 1975

neo_iix

Howard Kanovitz: Vernissage, 1967

HOPERREALISMO

Chuck Close: Autorretrato, 1968

HIPERREALISMO1

Chuck Close: Linda, 1975-1976

neo_xi HIPERREALISMO

Alex Colville: Parada de camiones, 1966

HIPERREALIMSO2

Franz Gertsch: Medici, 1971

HIPER3

Franz Gertsch: Johanna II, 1986

HIPER4

Michelangelo Pistoletto: Manifestación n.º 2, 1965

HIPER5

Jacques Monory: Asesinato n.º 10/1, 1968

HIPER6

Gerhard Richter: Ema – Desnudo en una escalera, 1966

HIPER6DGHHS

Gerhard Richter: Nadadoras, 1965

Raúl Pazos ,  nos muestra su visión de la realidad, mostrando imágenes sin orlas, su espacio preferido es el papel, tan antigua herramienta y casi fundamental arma para una buena ilustración , pero aun le falta explorar nuevos materiales, trabajando con el claro oscuro, luz y sombra dualidad eterna que lo acompaña, siempre en constante aprendizaje ,autodidacta .

 

busca la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas  los detalles visuales de la realidad, creando un aspecto lúdico entre el titulo y el icono.

 

Su búsqueda de dominar la materia, el espacio, quizás sus obras muestren introspección.

 

Mi escudo es un papel, mi arma un lápiz…

Autor: Raul Pazos Panta (Obras y biografía)

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País: Perú

Año: 2008

Precio: 100 €

Tipo de obra: Dibujo

Técnica: Lápiz

Descripción: dibujo a lapiz (hiperrealismo)
” con solo verlos alegra el espiritu “- M.S.P.P.

  

 

 

 

Origa

 

 origami hiperrealista

 donde el artista Bert Simons realiza figuras 3D con papel, que si bien no es origami precisamente, no deja de ser tan bueno =).

Según dice la fuente, el artista primero hace la escultura 3D sobre blender y enfunda la figura con las fotografías e imprime la plantilla para doblarla y crear figuras que parecen sacadas de videojuegos.

No dudo que pueda popularizarse en algun momento =P, me parece una buena de la creatividad, aunque no estoy segura si alguien lo haya echo antes.

 

 

Nació en la ciudad de Pereira (Colombia) en el mes de abril de 1976. En su ciudad natal hizo sus estudios de primaria y Bachillerato en el Colegio de La Salle, y desde entonces nació en él la afición al dibujo y a los toros, por lo que sus primeros bocetos con lápiz  datan de sus años en la secundaria.

 

En 1996 ingresa a la Escuela Taurina de Cali con el ánimo de ser torero, allí hace sus primeras prácticas y alcanza a torear algunas novilladas por varias provincias colombianas. En la escuela hace buena amistad con otro aspirante a torero, pero también con mucha afinidad por la pintura: Diego Ramos, conocido hoy mundialmente como uno de los mejores pinceles taurinos de la actualidad.

 

Junto a Diego Ramos, en 1997 comienza a hacer sus primeros trabajos netamente taurinos, primero a lápiz y luego en el manejo de la acuarela,  tomando la firme decisión de abandonar el “querer ser torero” para dedicarse de lleno a la pintura. Es así como en el año 1998 ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Pereira en donde aprende las primeras técnicas del dibujo y el manejo del color.

 

 

 

 

 

 

     

Se traslada a Medellín en 1999 donde adquiere mayores conocimientos a base de estudios personales utilizando libros y técnicas especializadas, dedicándose por tiempo completo a la pintura taurina en la técnica del óleo, desarrollando un estilo hiper-realista que es muy bien admirado por la “gente del toro” entre quienes sobresale el conocido crítico Alberto Lopera, Loperita, quien le anima y le contacta para que haga sus primeras exposiciones en diferentes salas de la ciudad, con mucho éxito por cierto y además le hace los primeros contactos para que viaje a España.

 

En el año 2005 se decide a dar ese paso trascendental en su carrera, viaja a España y se matricula en la Academia de Pintura y Restauración Gaia de Valencia en donde destaca por sus cualidades y se compenetra con las modernas técnicas de la pintura al óleo, el manejo del color, sus matices y texturas.

 

Hizo varias exposiciones en la península con magníficos resultados, regresando a Colombia en el 2006 y abriendo una estupenda galería en su ciudad Pereira.

 

A pesar de su juventud Walter Zuluga ha hecho ya cerca de 35 exposiciones en diferentes ciudades colombianas. En Valencia (Venezuela) fué el único artista invitado en la feria taurina del 2004, además en dos ocasiones – 2002 y 2004 – ha ocupado el Primer Puesto en el concurso de cartel oficial de la Feria de Manizales.

 

Sus obras se encuentran ya en diferentes ciudades del mundo taurino, siendo muy admiradas especialmente por los profesionales del toreo entre quienes se cuentan los matadores César Rincón, César Jiménez, Julián López “El Juli” y Manuel Caballero, además del ganadero Victorino Martín, todos ellos poseedores de estupendas obras que especialmente han encargado a este joven pintor colombiano.

SANTIAGO CARDENAS

gancho

gancho

 

 

silueta

silueta

 

caja de carton

caja de carton

 

TABLERO

tablero / oleo sobre lienzo

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