NEODADAÍSMO

INTRODUCCIÓN

   Neo-dada, años 1950-1960

Frente al sentido trágico y solemne de la abstracción de posguerra, emerge un arte que remite a objetos visibles, pero irónico y subversivo respecto a lo que significan en una sociedad masificada. Esta actitud es una recuperación del espíritu del dadá.

  El movimiento  surge como reacción al arte del expresionismo abstracto, el cual había absorbido plenamente al artista en una experiencia mística respecto a su obra de arte, y la carga emotiva de ésta y su discurso teórico, resultaban tan ininteligibles que, se había creado un distanciamiento del arte como arte-vida-social. Pues la sociedad quedaba alejada de un arte absorto en la personalidad del artista y cuya profundidad y lirismo, no eran accesibles para una sociedad común. El Neodadá allana los caminos que llevan hacia el arte pop; artistas cuya percepción hace un arte diferente y opuesto al Expresionismo Abstracto.

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  Los nuevos dadaístas proponían frente al hermetismo y el distanciamiento de la realidad de éstos, un arte identificado con la realidad más inmediata. En el assemblage  subyace una voluntad de apropiación de la realidad a través de sus detritus ((Del lat. detrītus, desgastado). m. Resultado de la descomposición de una masa sólida en partículas.), así como la aceptación del azar como factor que interviene en la formulación de las composiciones. Ambos la basura y el azar, son elementos consustanciales a la vida y como tales se les incluye en un arte  que pretende, de nuevo, lograr la disolución de las fronteras entre ambos.

  CONTEXTO

  E.E.U.U. EN 1945-1953

mapa_estados_unidosEstados unidos ordenó el lanzamiento de dos bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. Llegó a la presidencia el demócrata Truman, EUA. Afirmó su voluntad de oponerse a la expansión soviética. Era el principio de la guerra fría; entre U.S.A. y U.R.S.S. En 1948 se aprobó un plan de ayuda económica a Europa, (plan Marshall). Terminada la guerra surgieron graves desavenencias con la unión soviética, cuyo prestigio y poder habían aumentado considerablemente y que, desaparecidos Alemania y Japón del conjunto de las grandes potencias, se habían convertido en el rival imperialista más poderoso de los E.E.U.U. el plan Marshall y la N.A.T.O. (North Atlantic Teaty Organization): pacto del atlántico norte, u O.T.A.N., fue firmado en Washington, en 1949 firma del tratado del atlántico norte (O.T.A.N. o N.A.T.O.), que reforzaba la alianza de las potencias occidentales; por Bélgica, Canadá, Dinamarca, Usa, Francia, Holanda, Islandia, Italia, Luxemburgo, Noruega, Portugal y el Reino Unido. En 1952 se unieron al pacto Grecia y Turquía, y en 1955 la Alemania federal. Su sede esta en Bruselas. Al mismo tiempo los EEUU iniciaban un movimiento de retroceso en el extremo oriente. Se retiró el apoyo al gobierno prooccidental de Chiang Kai Chek, con el consiguiente triunfo de la república popular China (1949). El general Mac Arthur, que atacó en sus bases al ejército Chino, complicado como los mismos EEUU, en la guerra de Corea, fue desautorizado por su gobierno. Bajo la presidencia de Truman las filipinas lograron su independencia y se firmó en el curso del año 1951 la paz con Japón.

   En 1950-1953 el presidente Truman envió las fuerzas norteamericanas a la guerra de Corea. Elegido dos veces presidente el republicano Dwight D. Eisenhower, puso fin a la guerra de Corea (Julio de 1953) mientras su secretario de estado, Foster Dulles, intentaba por todos los medios contener el avance ideológico del comunismo En 1961  ocupó la presidencia John F. Kennedy, demócrata. 1963 Lindo B. Johnson, vicepresidente. En Colombia, en la década de los 1950 surgieron y se destacaron artistas como Alejandro Obregón, Enrique Grau y Eduardo Villamizar. Los acontecimiento político en Colombia en los años 1950-1954: el presidente era Laureano Gómez, pero se retiró en un año (1951) y le siguió Roberto Urdaneta. En este tiempo se intensificaron las guerrillas y Laureano otra vez se hizo cargo de la presidencia, pero Gustavo Rojas Pinilla lo derrocó el mismo día y asumió el poder de 1953-1957. En las elecciones de este años, rojas Pinilla fue reelegido por la asamblea, pero la reacción del pueblo en contra hizo que abandonará el país, dejando el mando a una junto militar, integrada por cinco generales: el mayor general Gabriel París, el contralmirante Rubén Piedrahíta, el Brigadier General Deogracias Fonseca, el Brigadier General Rafael Navas Pardo y el Brigadier General Luis E. Ordoñez, quienes estuvieron en el poder hasta el 7 de agosto de 1958.

  El neodadaísmo se dio como tendencia artística a lo largo de la segunda mitad de los años cincuenta en estados unidos. Su origen es, específicamente angloamericano. Esta tendencia es un producto surgido de la cultura las grandes metrópolis y se nutre de los rasgos del escenario urbano: las formas de producción mecánica de la imagen o la entronización de los personajes públicos por los medios de comunicación de masas.

 1955

ARTE Y LITERATURA.

•Muere el 18 de Abril en Princeton, Albert Einstein.

•Jasper Johns, serie Banderas, inicia la reacción antiexpresionista.

•El grupo Gutai realiza en Osaka la primera de happenings. •Obras de arte cinético en la exposición le mouvement, en parís.

•Martin Luther King logra en Montgomery (Alabama) la primera movilización popular a favor de los derechos de los negros

•La moda del rock and roll  el atuendo a base de chaquetones de cuero y pantalones tejanos.

•La diseñadora británica Mary Quant, la creadora de la minifalda.

    1956

•Muere Jackson Pollock en un accidente automovilístico. •Richard Hamilton, pinta ¿Qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes y agradables?, considerado el primer cuadro Pop. •En la exposición londinense esto es mañana, aparecen los temas claves del pop: cartones, embalajes, anuncios, fotos de Marilyn Monroe.

•Jean Dubuffet, desarrolla la técnica basada en el collage: Tableaux de assemblage.

•Theodoro en “lecciones de sociología”, prosigue su crítica de la sociedad desde una base marxista y existencialista.

1958

 •Robert Rauschenberg y Jasper Johns exponen en la galería Leo Castelli de Nueva York.

•Christo Jaracheff, Christo empieza a trabajar con objetos envueltos.

1959

•La exposición intinerante dadá causa gran impacto entre los jóvenes pintores pop.

•Robert Rauschenberg crea los combine paintings, poniendo en sus telas papeles, fragmentos de anuncios y objetos industriales.

   GÉNESIS

  A mediados de los años cincuenta, algunos jóvenes que trabajaban en Nueva York, como Rauschenberg, Johns y Dine, hicieron del assemblage su técnica de trabajo  y empezaron a tomar elementos del contexto que les rodeaba, que no era otro que el de la sociedad de consumo. Querían así recuperar el vínculo con el exterior que los expresionistas, encastillados en su yo sublimado, habían roto. En la búsqueda de la fusión del arte y la vida y en su repulsa hacia las formas tradicionales del arte y el status del artista, establecieron una continuidad con Dadá y fueron calificados de nuevos dadaístas. Esta corriente tomaría el relevo del expresionismo abstracto y bajo la denominación de arte pop acabaría identificándose con la imaginería de la sociedad de consumo y de los medios de comunicación. El “ser modernos” se había convertido en un ahondamiento cada vez más profundo en la propia esencia del arte y había conllevado un distanciamiento cada vez más acentuado de la realidad inmediata. Expresionismo abstracto e informalismo fueron el corolario de una evolución regida por la pura investigación pictórica y por el concepto sublimado de la expresión del yo interior. De la rebelión contra estos principios nació el neodadaísmo, un arte que recuperó la figuración en su forma más popular, la de los medios de comunicación de masas y publicidad, como una reacción de violento rechazo ante un arte convertido en algo ininteligible para todo aquel que no aceptara lo abstracto como paradigma del arte elevado.

  Características

  1.Rechazo al expresionismo abstracto

2.Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

3.Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.)

4.Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples “motivos” que justifican el hecho de la pintura.

  5.Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

  6.Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos.

  Los artistas más representativos de éste movimiento son:

Robert Rauschenberg (n. 1925), con sus materiales mundanos como viejas colchas o telas mezcladas con papeles que dotan de una textura diferente y con nuevos matices, una obra completamente distinta muy singular. Rauschenberg recoge los elementos que tiene a su alrededor, como una lata de cerveza o una botella de coca cola, un neumático,etc; así como su obra cuyos elementos son una cabra y un neumático, también a modo de juego compositivo.

BIOGRAFÍA

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  Robert Milton Ernest Rauschenberg

  (nacido el 22 de octubre de 1925, en Port Arthur, Texas; fallecido el 12 de mayo de 2008, en Tampa, Florida) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país. Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas y en la Academia Julian en Paris, donde conoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría más tarde. En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte. En el Black Mountain su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg, como el mismo dijo, para hacer “exactamente lo contrario” de lo que Albers le enseñó.El compositor John Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, también asistió a la facultad de Black Mountain. De 1949 a 1952 Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Liga de estudiantes de arte de New York, donde conoció a los artistas Knox Martin y Cy Twombly. Rauschenberg fue tal vez más famoso por su “Combines” de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien “Combines” es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía, grabado, papel y en performance. En 1953, Rauschenberg aturdió al mundo del arte borrando un dibujo de Willem de Kooning. En 1964 Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían ganado el Premio de Pintura). Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo institucional. De Robert Rauschenberg vivía y trabajaba en la ciudad de Nueva York y en Captiva Island, Florida.

  Su obra comenzó en el contexto del expresionismo abstracto neoyorquino y el action painting, pero empezó a elaborar unas obras pictóricas de increíble calidad así como diferentes usando materiales de desecho y un uso de “la baja cultura” que abrió las puertas al Pop Art. Estas pinturas fueron llamadas entonces “Combines” por su mezcla de pintura de acción con collages, transferencias (fue de los primeros en usarlas para después ser usada por el Pop) y objetos de la vida cotidiana. Como el mismo decía; operaba en el hueco entre la vida y el arte.

el óleo Express, sino también analizar la invención de la técnica de transferencia que Rauschenberg comenzó a desarrollar en el año 1958 y que le permitió, a partir de entonces, reconciliar la pintura gestual y artesana con imágenes fotográficas.

“Las pinturas serigrafiadas constituyen la brillante y audaz solución de Rauschenberg al problema de la reconciliación entre figuración y abstracción pictórica. El artista logró esta unión de opuestos a través de una gradual simbiosis de la pintura con los procesos que le permitían trasferir al lienzo imágenes fotográficas grabadas y reproducidas de forma mecánica“.

Rauschenberg la volvió a traer al campo de la vida. Entre sus obras destacas tenemos “Bed”, la primera obra que expuso que no es mas que su colcha y almohada salpicadas de pintura por que, cito palabras textuales, “hoy en día se cuelgan todo trapo que chorree pintura”.
Así como “De Kooning Erased” Que no era mas que un dibujo del pintor expresionista De Kooning borrado.

 “Monograma” que se interna del todo en cuadro-objeto al situar el cuadro en el suelo y adherirle una cabra disecada dentro de un neumático, eso si, chorreante de pintura (tenía sentido del humor). Visitaba basureros y rescataba objetos encontrados para hacerlos obras de arte, remitiéndonos al movimiento “Da-da” y a los “ready made” de Duchamp. Trabajó en coreografías de baile (así como en escenografía y vestuario), en música y en los últimos años en sus ROCI (Rauschenberg announced his Rauschenberg Overseas Culture Interchange), un trabajo para el intercambio cultura, la paz y el entendimiento que le llevo a viajar alrededor d mundo dado conferencias y talleres donde los alumnos creaban obras y las mezclaban para luego exponerlas y regalarlas a museos. Creando así un entendimiento intercultural con el arte.

 Provocador en sus declaraciones, asumiendo poses poco creíbles como cuando declaró, en un reportaje, “no soy un artista con ideas. Odio las ideas. Y cuando a pesar de ello tengo alguna, me voy a pasear para olvidarla”, pasó a convertirse en un ícono que sirvió de inspiración a talentos como Roy Lichtenstein y Andy Warhol. Los críticos coinciden en señalar que fueron sus “Combine Paintings”, donde incorporaba a sus obras objetos reales de uso cotidiano —que hoy vemos hasta el hartazgo en las llamadas “instalaciones”— y que le otorgan al plano del cuadro una fuerte tridimensionalidad, lo que le otorgó su mayor celebridad. Lo curioso es que, siguiendo la actitud provocadora que le distinguía, había declarado no entender al dadaísmo de Marcel Duchamp, acaso el primer artista que concibió los objetos utilitarios como una expresión de arte en relación al contexto en el cual se los presenta. La conocida anécdota del inodoro como objeto de devoción artística en una muestra, es el acto inaugural de esa idea.  Una artista ahora casi desconocida, como la polaca Zofji Chometowski, en 1938 fotografió un montón de basura en las calles de Varsovia y recogió entre los restos una escupidera de loza con sus bordes rotos. Al presentar en una exposición esa fotografía en gran formato, adhirió la escupidera a la imagen para darle un sentido de realismo. De alguna manera, se estaba adelantando en más de dos décadas al “combine painting”. Por ello, no interesa tanto quien es que hace algo por primera vez sino quien logra su aceptación social y, en ese sentido, Rauschenberg supo apropiarse de cosas ya existentes y darles una vuelta más de tuerca. 

 Su concepto del arte había tenido expresión tanto en la Bauhaus como en el dadaísmo, de ahí que con acierto se lo considere como un “neo-dadá” pero con la fuerza de medios más poderosos para difundir su obra.

 Sus “Combine paintings” plantearon un tema que ahora se discute, el de la apropiación. Mientras que por un lado era celoso en la defensa de los derechos sobre sus obras, asumió conductas rayanas en el delito como cuando, en 1953, borró un dibujo del maestro estadounidense Willem de Kooning. Décadas después, le inició un juicio al pintor Robert Montgomery, que firmaba sus cuadros como Robert Fontaine, porque este había estado hurgando en la basura que había depositado en la puerta de su casa y encontrado negativos y diapositivas que, tiempo después, vendió. Claro que las obras carecían de certificado de autenticidad.

Criado en un hogar de trabajadores de profundas convicciones cristianas —Su padre era un obrero petrolero, llegó a estudiar en la Universidad de Texas pero fue incorporado a la US Navy en la Segunda Guerra Mundial y trabajó en un hospital. Se sabe que fue descubierto en 1951 por el galerista Leo Castelli, un neoyorquino de origen italiano, que le abrió las puertas y le permitió dejar de ser un incomprendido por sus contemporáneos, pero la consagración le llegó en 1964, cuando obtuvo el Primer Premio de Pintura en la Bienal de Venecia y, con ello, la aceptación definitiva del pop art como un “ismo” venerable.

 A fines de la década de 1980, Robert Rauschenberg vivió una situación similar, pero esta vez estaba del lado de los malos. En uno de sus collages incluyó una tapa de la revista Time con una fotografía del no menos célebre fotógrafo estadounidense Pete Turner, colorista cuya obra tiene un gran reconocimiento, autor de fotos de tapa de las más importantes publicaciones, entre ellas del National Geographic Magazine. Turner se sintió agraviado porque usó su fotografía sin pedirle permiso y demandó a Rauschenberg, en quien tuvo que pagarle la bonita suma de cien mil dólares, el máximo que fija la ley en los Estados Unidos por el delito de violación de los derechos autorales. Tras una vida agitada, llena de reconocimientos y también de algunos dolores de cabeza como los relatados, desaparece uno de los artistas que mayor influencia ha tenido durante buena parte del siglo XX. La exposición titulada The Art of Assemblage, celebrada en 1961 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, sirvió para reconocer internacionalmente el assemblage como procedimiento artístico basado en el agrupamiento de objetos, generalmente inservibles y de desecho, con el fin de invitar a una reflexión estética. Aunque su origen no era solo dadaísta, el talante provocador que suponía la incorporación de las heces de la sociedad al sagrado campo del arte remitía a ese movimiento. Por eso, se habla de neodadaísmo.

  La huella de Albers -Entiendo que su relación con el arte nació de una manera no habitual. “Creo que mi formación académica es bastante única (el entrevistado usa con frecuencia el término “unique”). Primero asistí al Kansas City Art Institute, al que iban también, entre otros, Jackson Pollock. Yo no sabía nada de este lugar hasta entrar en él. Luego viajé a Paris. Allí descubrí que le mito había desaparecido…, el mundo, el mundo artístico internacional que Picasso, Matisse, Brancusi y Giacometti habían creado ya no existía. ¡Ellos ahora eran clásicos! De modo que los estudiantes que conocí en clases discutían de la psicología del arte. Eso no era para mí. Por ello volví a los Estados Unidos para estudiar con Joseph Albers. Necesitaba disciplina y él era muy bueno en eso ¡Pero Albers odiaba mi trabajo! Después ingresé a la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, que es el lugar donde se filtra a casi todo el mundo artístico en Estados Unidos”. -¿Hasta qué punto sus estudios con Albers dejaron huellas en su obra? “En dos aspectos. El primero que Albers me enseño el respecto por el color. Me hizo aprender que no podía elegir arbitrariamente entre un color y otro; no permitía que lo hiciera. Le interesaba, por ejemplo que usara el rojo, para hacer más brillante el verde, me enamoraba del verde, me enamoraba del amarillo… y las cosas no resultaban. De manera que aquellas obras que considero mis trabajos maduros, resultan todas monocromáticas. Otra cosa que me inculcó Albers fue la disciplina: si iba a convertirme en un artista, debía asumir absolutamente mi responsabilidad”

 A los 82 años de edad ha muerto el pintor estadounidense Robert Rauschenberg, una de las figuras más importantes del siglo XX, pionero del movimiento ‘Pop-Art‘, al que artistas tan importantes como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, principales representantes de este movimiento, le atribuyeron la paternidad del estilo. de la vanguardia de los años 50 y 60, inspirador de muchas figuras del arte objetual y otras vanguardias radicales de los años 70. Rauschenberg, nacido en Port Arthur, Texas, en 1925, fue descubierto en 1951 por el galerista neoyorquino de origen italiano Leo Castelli. Alcanzó notoriedad en 1950 en la transición que realizó desde el expresionismo abstracto al Pop-Art. Fue el representante clave En 1963 pintó la obra ‘Express’, donde se refleja sus más importantes innovaciones y técnicas (técnica de óleo y tinta serigrafiada) con la que contribuyó de manera decisiva a que el movimiento se diera a conocer internacionalmente.

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  Robert Rauschenberg, Bed, 1955.

 

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  Rauschenberg APOYO oil and silkscreen ink on canvas.152.4×152.4cm.collection myerhoff.

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 ODALISCA. Combine painting.1955-19558 robert Rauschemberg

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 SIN TITULO (man with white shoes). 1954.robert raucherberg

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   SOLSTICE. 1968.  robert Rauchscneberg

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  Retroactive, robert rauschenberg, 1964

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 Rauschenberg TRAZADOR DE LINEAS 1963 óleo y tinta de seda sobre lienzo 213.4×152.4cm the nelson atkins muesum of art kansas city

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  MONOGRAMA.1955 ROBERT RAUSCHENBERG

 “Monograma” que se interna del todo en cuadro-objeto al situar el cuadro en el suelo y adherirle una cabra disecada dentro de un neumático, eso si, chorreante de pintura (tenía sentido del humor). Visitaba basureros y rescataba objetos encontrados para hacerlos obras de arte, remitiéndonos al movimiento “Da-da” y a los “ready made” de Duchamp.

 

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  Robert  rauschenberg, express, 1963

 con esta obra Rauschenberg fue el primer norteamericano en ganar el primer premio en la Bienal de Venecia de 1964.
Algunas de las fotografías que reproduce en este óleo ya habían sido utilizadas en otros trabajos y se repetirán en obras posteriores. Tanto el título como las imágenes que aparecen sugieren la idea de movimiento, velocidad y coordinación: un jinete sobre su caballo en el momento de saltar una valla, un grupo de bailarines en acción -sin duda, un homenaje a su amigo Cunningham-, un escalador encordado, o un desnudo bajando las escaleras, en clara alusión a la famosa obra de Duchamp, ya mítica en los Estados Unidos.

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  MERCADO NEGRO 1961 combine painting. Robert  rauschenberg.

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  DYLABY 1962 combine painting. Robert Rauschenberg.

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  CHARLENE, 1954, 225x 321cm, Robert Rauschemberg

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  Drawing Erased of De Kooning, Robert Rauschemberg

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  1986-BMW-635 CSi-Art Car Robert-Rauschenberg Side 1600x1200

 

 Jasper Johns (n 1930), el artista que se sirve de la encáustica (especie de mezcla de resina con cera virgen y pigmento) para  dar texturas a sus obras de dianas y de banderas. El movimiento Neodadaísta innova con otros materiales, hasta ahora poco frecuentes en un ámbito artístico; cabe destacar la obra de esculturas blandas de Claes Oldenburg, precursor principal del arte Pop.

  BIOGRAFíA

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  Jasper Johns

 comenzó a dibujar como un niño, y por la edad de cinco años que soñaba con ser un artista.

 nacido en Augusta, Georgia, en 1930 y criado en South Carolina, está considerado, junto con Robert Rauschenberg, como uno de los artistas más importantes posteriores a la Segunda Guerra Mundial, y como uno de los pintores más notables aún vivos. Estudió en la universidad de Carolina del Sur entre 1947 y 1948, para después trasladarse a la Parsons School of Design de Nueva York en 1949. Allí conoció a Robert Rauschenberg, Merce Cunningham y John Cage, con los que comenzó a desarrollar su obra. Entre 1952 y 1953 estuvo destinado en Sendai, Japón, durante la guerra de Corea. En 1954 empezó a pintar obras que se centraban en temas como banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto escolar. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de ‘arte-como-objeto’ se convirtió en una poderosa influencia, bastante fuerte, en la escultura y la pintura posteriores. En algunos cuadros Johns añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas , compases, penes de goma, consoladores , entre otros.

 A la edad de veinte a cuatro, que vive en la ciudad de Nueva York,  tomó la decisión, como él la describe, convertirse en un artista y ser realmente uno. Un sueño le llevó a pintar la bandera americana. Sus obras fueron el polo opuesto del expresionismo abstracto, el estilo que impera en la ciudad de Nueva York en la década de 1950. El expresionismo abstracto era la personalidad del artista catártica y de libre expresión, pero las pinturas de Johns son frías e impersonal. Él también pintó imágenes reconocibles, que parecían conocidas por todos pero ignoradas por el arte de la época.

Durante los próximos cuatro años, sólo los amigos cercanos vieron estas nuevas pinturas.

Desde su primera bandera de cuadros, Johns se ha basado casi exclusivamente en encontrar las imágenes y motivos, como la bandera americana, las bombillas, los números, o el patrón de laja vio pintada en un muro en el barrio de Harlem de la ciudad de Nueva York. Johns ha persistentemente reutilizados motivos a lo largo de su carrera, una práctica a través del cual se pueden acumular y cambiar el sentido e incluso la forma.

 Johns ingresó en la American Academy of Arts and Letters en 1988, el mismo año en el que obtuvo el León de Oro en la Biennale de Venecia. Actualmente reside en New York City y Connecticut.

En la década de 1980, dijo que la continuación de ocultar su personalidad en su arte “parecía una batalla perdida.” Su trabajo se volvió cada vez más personal y referencial de otras obras de arte y su propia. él ha estudiado con frecuencia ciertos temas: la relación entre percepción, lenguaje y arte; la fusión de la letra y el resumen, el cuerpo; mortalidad; cómo el arte adquiere un significado , y el de los procesos y materiales que producen las obras de arte.

sus obras:

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  Jasper johns  target with four faces, 1955

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  handkerchief_116x140 perlous night jasper johns 1982

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  Jasper johns, 0-9, 1959

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  FALSE START jasper johns 1959 oleo sobre canvas 68x53in.

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  FIGURE 8, Jasper johns 1959 óleo sobre canvas

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  FIGURE 8, Jasper johns 1959 óleo sobre canvas

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  las tres banderas, 1958, Jasper Johns

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  Jasper johns, figure, 91968

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  Jasper Johns, cicada 116×140 1981, litografia

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  JASPER JOHNS, ENTRE EL RELOJ Y LA CAMA, 1981

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  JASPER JHONS, MAPA, 1961, OLEO Y COLLAGE

Claes Oldenburg «fabrica» comida basura con materiales como el yeso o escayola, pero evolucionará hasta la realización de objetos gigantescos en el medio de las grandes ciudades estadounidenses, cómo una gran cuchara a modo de puente y en cuya punta contiene una inmensa cereza roja.

BIOGRAFÍA

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Claes Oldenburg

Nació el 28 de enero de 1929 en Estocolmo, donde su padre estaba destinado como diplomático. Llegó a los Estados Unidos a la edad de siete años. Estudió historia del arte y literatura en la Universidad de Yale, fue alumno del Art Institute of Chicago y en 1956 se instaló en Nueva York. Participó en la Documenta de Kassel y la Bienal de Venecia. Entre 1960 y 1965 realizó cierto número de happenings, entre los que destaca Auto bodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado. En 1961 abrió una tienda en Nueva York, allí vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sándwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Algún tiempo después, construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir. Entre sus obras más famosas destaca su gigante Pinza para la ropa (1974), Máquina de escribir blanda (1963) y el Ratón geométrico. En 1983 realizó su gran escultura de un cepillo de dientes para el Museo Haus Esters, Krefeld. En 1984 hizo sus propuestas para el proyecto El rumbo del cuchillo, que fue entonces mostrado en colaboración con el arquitecto Frank O’Gehry en el Campo de ll’Arsenale.

Aspectos más memorables de las obras de Oldenburg son quizá, las esculturas colosales que ha hecho. Las esculturas, aunque bastante grandes, a menudo tienen capacidades interactivas. Una de las primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de una barra de labios que se desinflaría a menos que algún participante volviera a inflarla metiéndole aire.

Entre 1960 y 1965 Oldenburgo llevó a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca Auto bodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes de gente y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios toscamente pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su futura escultura. Este acercamiento al arte descarado, a menudo humorístico, se oponía a la sensibilidad predominante de que, por su propia naturaleza, el arte tiene que ver con ideas o expresiones “profundas”. Pero el fogoso arte de Oldenburgo encontró primero su hueco y luego una gran

popularidad que se mantiene hasta la actualidad.

En 1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sándwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida.

Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho.

Continuó utilizando estos materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir.

Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos…), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. Muchas de las gigantescas esculturas de Oldenburgo de objetos cotidianos fueron ridiculizadas por el público antes de ser asumidas como aportaciones caprichosas, intuitivas y divertidas al arte mobiliario urbano.

Entre sus obras más famosas destaca su gigante Pinza para la ropa (1974), Máquina de escribir blanda (1963) y el Ratón geométrico.

Ha colaborado desde 1976 con la escultora pop neerlandesaestadounidense Coosje van Bruggen. Se casaron en 1977.

Además de proyectos independientes, en ocasión contribuye a proyectos arquitectónicos, en particular para la sede principal de la agencia de publicidad Chiat/Day en el distrito de Venice, en Los Ángeles, California. La entrada principal está formada por un par de binoculares gigantes.

En 1989 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén y en 1995 obtuvo el Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Música.

Sus obras:

oldenburg3MISTOS1992acero y fibra de vidrio.20.73x10.06x13.21m. parc de la vall de hebro, sn barcelona

  Claes oldenburg, Mistos

  oldenburg2HOUSEBALLS1996acero inoxidable 8.4x7.4m. urbana. berlin

Oldenburg 2HOUSEBALLS 1996 acero inoxidable 8.4×7.4m. urbana. berlin

  210_SWISS ARMY KNIFE,OLDENBRUG.

Claes oldenburg ,SWISS ARMY KNIFE

claes_oldenburg el raton geometrico

  Claes oldenburg, el ratón geométrico

oldenburg1TROWEL1976acero y pliuretano.12.7x3.4x4.4m.rijksmuseum kroller muller. otterlo

  Oldenburg 1TROWEL 1976 acero y pliuretano .12.7×3.4×4.4m. rijksmuseum kroller muller. otterlo

oldenburg4pinza de ropa 1976 cort-ten y acer inoxidable.13.7x3.7x1.4m,urbana.philadelphia

  Oldenburg 4 pinza de ropa 1976 cort ten y acero inoxidable.13.7×3.7×1.4m, urbana philadelphia

OTROS ARTISTAS:

artist-portrait-791JIM DINE

  Jim Dine:

Cincinnati, Estados Unidos, 1935.

Pintor, escultor y artista grafico estadounidense, es una de las figuras clave del POP ART estadounidense.

en 1957 se trasladó a Nueva York y se relacionó con un círculo de artistas entre los que estaban Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein, que habían abandonado el expresionismo abstracto para dedicarse al Pop Art.

Dine incorpora imágenes cotidianas a su obra, pero se aparta de la frialdad y naturaleza impersonal del pop art al realizar obras que conjugan la pasión personal con las experiencias cotidianas. El uso repetido de objetos conocidos e importantes para el artista —como batas, manos, herramientas o corazones— constituye una marca distintiva de su arte.

Entre 1959 y 1960, Dine fue también uno de los pioneros de los happenings, obras de arte que tenían la forma de eventos o manifestaciones teatrales. En 1967 se trasladó con su familia a Londres, donde se dedicó a la obra gráfica y al dibujo. En 1971 regresó a Estados Unidos y su interés se centró en el dibujo figurativo. Dine está considerado como uno de los mejores dibujantes de su generación y es famoso por su serie de autorretratos y retratos de su mujer, Nancy. También se interesó por la escultura a principios de la década de 1980, época en la que realizó obras basadas en conocida esculturas griegas como la Venus de Milo (Museo del Louvre, París). Su obra más reciente utiliza una simbología inspirada en objetos griegos, egipcios y africanos.

Sus obras:

  jin dine una xilografia soleada

Jin Dine una xilografía soleada

DINE-C~1corazón del invierno en putney N°3, obra de 1971-1972, parís. 183x183cm

PARIS SONRIE EN LA OSCURIDAD JIN DINE

  JIN DINE, PARIS SONRIE EN LA OSCURIDAD

pm-40932-mediumJim DINE »Self in the Ocean

  Jim DINE »Self in the Ocean

  pm-40975-mediumJIM DINE CIGARRILLOS MARLBORO

JIM DINE CIGARRILLOS MARLBORO

pm-40961-mediumjin dine tog floreada con cielo

  Jim dine,  tog floreada con cielo

 

  pm-40959-mediumkey west print

Jim dine, caracolas

pm-40974-mediumJIM DINE CALLED BY SAKE

  JIM DINE, CALLED BY SAKE

pm-40690-mediumJim DINE »Autorretrato Azul y Ahora

  Jim DINE »Autorretrato Azul y Ahora

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